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Jul 08, 2023

Encontrar tu cuerpo: aplicar la eurítmica Dalcroze a la música contemporánea

Hay ciertas experiencias por las que todos pasamos que, en el momento, parecen novedosas o triviales; esos momentos en los que llegamos a la mayoría de edad y pensamos: "¿todos tienen que hacer esto?" Pero en algunos casos, el

Hay ciertas experiencias por las que todos pasamos que, en el momento, parecen novedosas o triviales; esos momentos en los que llegamos a la mayoría de edad y pensamos: "¿todos tienen que hacer esto?" Pero en algunos casos, cuanto más nos alejamos de esos momentos, más reconocemos lo únicos o significativos que fueron. Nos damos cuenta de que se nos ha dado algo importante, cuyo significado sólo comienza a florecer cuando estamos lo suficientemente preparados para verlo.

Cuando era un joven estudiante de primer año en la Escuela de Música de la Universidad Carnegie Mellon (a finales de la década de 1990), Dalcroze Eurhythmics me brindó esa experiencia. En los 25 años que he pasado desde entonces como practicante y mecenas de la nueva música, la escasez de personas que he conocido que puedan identificarse con mi experiencia me ha hecho darme cuenta de lo especial que fue mi formación en Dalcroze. Como he descubierto, la aplicación de los conceptos de Dalcroze en la música contemporánea y de vanguardia merece una profunda consideración; Cuando se requiere una conexión humana y la música sirve como medio, Dalcroze Eurhythmics es una herramienta invaluable.

Eu significa bueno y ritmo significa flujo... la definición corta es: estamos trabajando para lograr un buen flujo. Música que ha alcanzado un umbral de euritmia”.

Cuando asistí a mi primer seminario de Dalcroze en el otoño de 1998, me sentí principalmente abrumado por la presión de tratar de no parecer incómodo. Que me pidieran que me quitara los zapatos y me moviera con fluidez por la habitación mientras nuestro profesor improvisaba en el piano era casi incomprensible incluso para el estudiante de primer año más extrovertido de la universidad. ¿Qué pasa si tengo agujeros en mis calcetines? ¿Me olían mal los pies? ¿Se suponía que debía conocer los movimientos? ¿Hubo “movimientos”? ¿Qué me puede enseñar esto?

El fundador de esta pedagogía, el compositor suizo Èmile Jaques-Dalcroze (1865-1950), enseñó solfeo y armonía en el Conservatorio de Ginebra a partir de la década de 1890 y estaba interesado en cómo se puede examinar la musicalidad sin discutir la técnica o los métodos de ejecución.

“El problema era que estos estudiantes del conservatorio jugaban de forma demasiado robótica; faltaban ciertos instintos”, explicó Stephen Neely, mi ex profesor, quien ahora es director del Centro de Capacitación Marta Sánchez Dalcroze en Carnegie Mellon. “A los estudiantes se les enseñó a tocar todas las notas correctas en el momento correcto, pero nunca se les enseñó a preguntar '¿cómo se siente?' y '¿cómo te sientes?'”. Neely dijo que la motivación de los aspirantes a músicos clásicos a menudo se centra en la idea de que “se supone que debes hacer sonidos”. Como me señaló (y sigue inculcando a todos sus alumnos), “La función de la música es sentir”.

Para desbloquear este sentimiento esencial, el sistema de Dalcroze comienza cuando el músico deja a un lado su instrumento. Neely dijo: “El cuerpo es el primer instrumento. No hay música en tu violín, no hay razón para tocar el violín excepto para compartir. ¿Qué estás compartiendo? Estás compartiendo la música que está en tu primer instrumento: tu cuerpo. Eu significa bueno y ritmo significa flujo... la definición corta es: estamos trabajando para lograr un buen flujo. Música que ha alcanzado un umbral de euritmia”.

Clase de eurítmica en la Conferencia Internacional de Estudios Dalcroze — Foto de Charlie Claffey

La principal herramienta analítica de Dalcroze Eurhythmics es una forma de movimiento llamada plastique animèe, un tipo de análisis performativo que abre a los estudiantes a nuevos niveles de comodidad al expresarse. Proporciona una representación visual de la musicalidad que Dalcroze sentía que no se podía encontrar en la página impresa. Es una exploración del espacio entre las notas y, a diferencia de la danza interpretativa, el practicante no se mueve con la música, sino que se convierte en un diagrama viviente de la música. Es una visualización de cómo se siente la música sin necesidad de comunicar esta expresión mediante el sonido. Por lo tanto, no es raro que la plastique animèe se represente en silencio y, según el Instituto de Educación Jaques-Dalcroze, se considera una prueba de que "el cuerpo es un instrumento musical sin cualificación". Algunos practicantes de Dalcroze han empezado a llamar a esto “dar cuerpo” a la música.

Dejar caer la palabra eurítmica en una conversación informal tiende a inspirar a al menos una persona en la sala a comenzar a recitar las letras de Annie Lennox, y casi nadie se lanza a un frenesí de plástico animado. Pero desde sus inicios hace más de 120 años, Dalcroze Eurhythmics encontró una aplicación para decodificar o desmitificar la música contemporánea. El fundador de los Ballets Rusos, Sergei Diaghilev, fue al centro de formación Dalcroze en Hellerau en Dresde, Alemania, en 1912. Allí, siguiendo la recomendación de Jaques-Dalcroze, reclutó a la bailarina Marie Rambert para unirse a su compañía y ayudar a su coreógrafo, Vaslav Nijinsky, a interpretar la ritmos complicados de La consagración de la primavera de Stravinsky, que sería estrenada por los Ballets Rusos en París, al año siguiente.

Este año, la Universidad Carnegie Mellon ganó la candidatura para albergar la sexta Conferencia Internacional de Estudios Dalcroze, que destacó a músicos contemporáneos en gran parte de su programación. Después de dos semanas de talleres intensivos, conferencias y actuaciones, la conferencia culminó con una conversación en vivo (a través de transmisión web) con Meredith Monk y una actuación colaborativa entre el conjunto vocal ganador del premio Grammy Roomful of Teeth y la compañía de danza contemporánea residente de Pittsburgh, Attack Theatre. .

Meredith Monk ofrece una charla en la Conferencia Internacional de Estudios Dalcroze — Foto de Charlie Claffey

La charla de casi dos horas de Monk comenzó con un resumen conciso del valor que su experiencia con Dalcroze Eurhythmics ha aportado a su trabajo. "Quiero expresar mi gratitud porque Dalcroze fue mi primera formación", dijo. "No hay una forma más integradora de trabajar con la música, el cuerpo y la vida que su metodología visionaria". Agradecí que ella validara mis propias observaciones y dijera: “No sabía cuánto me había influido Dalcroze hasta que comencé a trabajar con algunos cantantes de formación clásica en [mi ópera] Atlas para la Gran Ópera de Houston. Estaba haciendo una serie de frases rítmicas que repasaban otras frases y luego volvía a la más grande, y me dijeron: '¿Cómo estás haciendo eso?' Dije que no lo sé, que es completamente intuitivo y dijeron '¡ah, es ese entrenamiento de Dalcroze!'”

Monk pasó a enumerar una serie de puntos extraídos de los métodos de Dalcroze que, en su opinión, influyeron directamente en su voz artística. Sobre todo, citó los “modos multiperceptivos”, que son la integración de factores internos y externos como los sentidos, el intelecto, el espíritu, el espacio, el medio ambiente y, por supuesto, el cuerpo. Monk fue muy específica al citar el “espíritu lúdico” de su trabajo, algo que atribuye a Dalcroze.

En el caso de Monk, la creación de obras teatrales multifacéticas que combinan movimiento y sonido parece una extensión casi demasiado obvia del método de Dalcroze. La comunidad de Dalcroze suele señalar rápidamente que la plastique animèe no es una danza, y el movimiento en muchas de las piezas de Monk tiende a sentirse de la misma manera: no acompaña a la coreografía, sino que forma parte de la música.

ATLAS de Meredith Monk presentado por la Filarmónica de Los Ángeles–Foto de Mathew Imaging

Para algunos, la música de Monk queda fuera de lo accesible y se considera arte inusual y vanguardista. Las hipercomplejidades de Brian Ferneyhough, las técnicas extramusicales de Helmut Lachenmann y las construcciones microtonales de Harry Partch comparten espacios adyacentes al trabajo de Monk, y aunque todas estas voces son considerablemente diferentes, es posible que el público sólo pueda identificarse con música como esto con sus emociones más que con su intelecto; cómo les hace sentir. Como intérpretes, utilizar el movimiento como herramienta para explorar el sentimiento que rodea la producción de sonido puede proporcionar una hoja de ruta visual. La perspectiva de Dalcroze sugiere que donde hay una conexión humana (un intérprete ante una audiencia), siempre hay algún sentimiento o material emocional que el intérprete puede desbloquear. No importa cuán intelectuales sean las estructuras musicales, se puede alcanzar un umbral de euritmia.

Al concluir la conferencia, Roomful of Teeth apareció en el Teatro Philip Chosky de la Universidad Carnegie Mellon en un programa llamado Blurred Bodies. La actuación contó con una narrativa completamente coreografiada creada por Peter Kope, director artístico de Attack Theatre, ambientada en The Ascendente, del compositor Wally Gunn y la poeta Maria Zajkowski. Aunque Roomful of Teeth ha interpretado la pieza muchas veces en todo el mundo, comentaron desde el escenario que era la primera vez que se coreografiaba. Para demostrar el mensaje de la conferencia, Attack Theatre comenzó representando la escena final en completo silencio, que recordaba al plástico animado y para el deleite de un público bien informado y de mentalidad Dalcroze.

Attack Theatre actúa con Roomful of Teeth en la Conferencia Internacional de Estudios Dalcroze — Foto de Charlie Claffey

Inspirado por la conferencia, le conté al profesor Neely que mi formación en Dalcroze bajo su tutela acababa de empezar a decodificarse para mí. “A la mayoría de nosotros nos lleva una década tener suficiente experiencia para compararlo y decir: Oh, espera, había cosas allí, podría haber prestado atención de otra manera”, dijo. “La mayoría de nosotros no estamos preparados a esa edad para ver el panorama más amplio… ¿Cómo puedo decirte qué aprender? Todo lo que puedo hacer es abrirte puertas”.

Recientemente hablé con Billy Holtz, estudiante de último año de la Escuela de Música Carnegie Mellon, que ha demostrado una comprensión y una inclinación excepcionales por Dalcroze Eurhythmics. Holtz, violista y aspirante a director, dijo: “Creo que los beneficios del director son interesantes, simplemente pasar esa cantidad de tiempo frente a la gente. El primer día, Eurhythmics es como caminar por la habitación y todos estamos enloquecidos, estudiantes de primer año súper conscientes de sí mismos que acaban de llegar a la universidad. Luego, al final, estás haciendo una animación plástica en silencio durante tres minutos frente a 70 personas, y es algo normal. Cuando comencé a subir al podio para dirigir, me sentí mucho más cómodo que antes. Hizo mucho por mi musicalidad, como aprender a expresar el movimiento... Eurhythmics también me hizo sentir más cómodo tomando riesgos. Abre la puerta a un mundo completamente nuevo de decisiones interpretativas y nuevas posibilidades”.

Fue reconfortante escuchar que un cuarto de siglo después de mi primer año, estos estudiantes universitarios modernos todavía luchan con los mismos ritos básicos de iniciación. ¡Todavía lo hacen como antes! Ya sea que el estudiante universitario de Dalcroze de hoy esté tratando de perfeccionar esa chacona de Bach, un día audicione para Roomful of Teeth o esté destinado a ser el Meredith Monk de su generación, el potencial que le confiere esta formación florecerá profundamente a medida que avance en su carrera. viaje hacia la música.

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Christian Kriegeskotte (él/él) es un compositor, escritor y audiófilo en ciernes que ha trabajado profesionalmente en la producción musical de largometrajes, la gestión de artistas y la industria discográfica convencional. Recibió su BFA y su Maestría en Música de la Universidad Carnegie Mellon y actualmente reside en Pittsburgh, PA.